A estação 1 revela a história da lacuna, em vez da história do preenchimento. Fragmentos e mais fragmentos são convocados para narrar momentos que indiciam existências deste e de outros tempos. Materiais de distintas épocas convivem com dispositivos audiovisuais e diferentes tipologias de imagem, para nos dar a conhecer como PortuCale, a cidade que deu nome a Portugal, se fez Porto.

METAMORFOSES foca-se na profusão e no processo de integração do imaginário e da temática vegetal, mineral e animal no espaço doméstico romântico, trazendo para as salas da Casa da Quinta da Macieirinha um amplo número de peças, algumas anteriormente mostradas no antigo Museu Romântico e noutros espaços do Museu da Cidade, outras nunca antes expostas, evidenciando a indiscutível qualidade e diversidade das coleções municipais. Esta montagem marca, igualmente, o começo da evocação do centenário da morte da artista portuense Aurélia de Souza, momento central da programação em 2022/23. O célebre autorretrato da artista enquanto Santo António, realizado em torno de 1902, integrará a nova montagem que reúne pintura, mobiliário, tapeçaria e têxteis, cerâmica, louças e prataria, assim como outros surpreendentes núcleos da coleção como os conjuntos de leques, papéis recortados e de malacologia.

A exposição, a primeira individual da artista em Portugal, está organizada em torno do seu mais recente filme – “Eu sou uma arara” (2022) – que terá a sua estreia inédita em Serralves. Realizada em parceria com a cineasta Mariana Lacerda, a média-metragem propõe uma reflexão crítica sobre o impacto do desmatamento da Amazónia para os povos indígenas num momento de tensão política e social. Este trabalho é também o resultado de um longo período de pesquisa e de uma série de ações em São Paulo que fizeram desfilar pelas ruas da cidade, como uma floresta densa e potente, dezenas de figuras inspiradas na fauna e flora brasileiras. Herdeira do legado histórico dos movimentos de vanguarda do pós-guerra, do neoconcretismo à tropicália, Rivane Neuenschwander (n. 1967) é um dos nomes mais conceituados da arte contemporânea brasileira. No seu trabalho, a artista combina diversos meios e suportes para construir um repertório visual único que explora narrativas sobre uma grande diversidade de temas, entre os quais, a linguagem e o tempo, a literatura e a cultura popular, a psicanálise e a arte, a natureza e a sociedade, a política e a filosofia, o medo e o desejo. Uma das suas obras mais icónicas, “Eu desejo o seu desejo” (2003), composta por uma coletânea de desejos que lembram as pulseiras do Senhor do Bonfim, será instalada na Capela da Casa de Serralves.

Cindy Sherman: Metamorfoses apresenta uma série de obras que atravessam a carreira da artista desde o seu início até às obras mais recentes. A exposição foi organizada em diálogo com a artista e em parceria com o The Broad Art Foundation, Los Angeles, uma instituição que coleciona exaustivamente o trabalho de Sherman há mais de trinta anos. Sobretudo conhecida por imagens em que se retrata como modelo da sua própria obra, encarnando o papel de estereótipos femininos convencionados pelos média num vasto leque de personagens e ambientes, Cindy Sherman fotografa sozinha no seu estúdio, atuando como diretora artística, fotógrafa, maquilhadora, cabeleireira e intérprete do papel a desempenhar. A prática do retrato que iniciou há décadas é responsável por algumas das mais marcantes e influentes imagens da arte contemporânea. Para esta ambiciosa apresentação em Serralves, as salas do museu sofrerão uma radical transformação, criando um cenário teatral para acolher o storyboard que as fotografias da artista compõem. A mostra incluirá também um trabalho inédito, especialmente concebido para o Museu de Serralves: um extenso mural fotográfico, que dará à exposição uma singularidade adicional. Geralmente, a artista não dá títulos às suas obras, pretendendo com isso evitar interpretações preconcebidas ou leituras antecipadas que poderiam influenciar o observador, preferindo deixar a construção das histórias ao critério da cada pessoa. As imagens são no entanto organizadas por séries e numeradas e exploram vários temas e técnicas, reforçando assim a diferenciação e a classificação: Untitled Film Still [Sem Título Film Still] (1983-1984), Fashion [Moda] (1983-84), Bus Rider [Passageiro de autocarro] (1976-2000), The Fairy Tales [Os contos de fadas] (1985), The Disasters [Os desastres] (1986-89), The Historical Portraits [Retratos históricos] (1988-90), Sex Pictures [Imagens sexuais] (1992), Horror and Surrealistic Pictures [Imagens de horror e surrealistas] (1994), Masks [Máscaras] (1995), Broken Dolls [Bonecas desmembradas] (1999), The Hollywood/Hampton Ladies Portraits [Retratos de senhoras de Hollywood e dos Hamptons] (2000), The Clowns [Palhaços] (2003-05), Society [Sociedade] (2008). Na exposição em Serralves estas séries não serão sujeitas a uma ordem cronológica, antes construindo uma narrativa. Nas obras de Sherman, composições e narrativas individuais remetem para um repertório completo e complexo de identidades femininas: mas enquanto os trabalhos iniciais estão repletos de emoções visíveis, nas fotografias mais tardias as emoções vão sendo gradualmente excluídas. As obras não são autorretratos, mas sim representações aperfeiçoadas pela distância da câmara ou objetiva que as capta ou, como comentou Rosalind Krauss, são “uma cópia sem um original”. No final dos anos 1980, Sherman sentiu necessidade de suprimir a sua presença e criou imagens irreais e grotescas, cenas de acidentes, constituídas por personagens sobrenaturais e aterradoras que personificavam medos irracionais e pesadelos e que formavam cenários macabros e repulsivos. Progressivamente, o corpo da artista foi sendo substituído por seios falsos, excrescências humanas, fluidos corporais, resíduos sexuais, próteses médicas, que posteriormente dariam origem às Sex Pictures (1992), uma das suas séries mais ousadas, em que Sherman recorre a manequins para compor quadros pseudopornográficos, deliberadamente destituídos de qualquer erotismo que desafiam os padrões da indústria pornográfica. O regresso da artista ao centro da imagem aconteceu por volta de 2000 com a série Head Shots [Primeiros Planos], em que protagoniza um conjunto de retratos de estúdio, ou a perturbante série Clowns (2003-05) e, mais tarde, imagens de mulheres idosas. Se as partes do corpo falsas ou artificiais forçam o observador a confrontar-se com o aspeto encenado da obra, a aparência trágica e vulgar das personagens obriga-o a sentir por elas uma certa empatia e respeito. Por outro lado, há uma mudança evidente no posicionamento da câmara, na alteração dos cenários, na saturação e sobreposição de adereços e elementos estranhos na composição, assim como nas dimensões das provas impressas. Mais tarde, na série Society (2008), Sherman regressa à sua exploração dos ideais distorcidos de beleza, das autoimagens e do envelhecimento numa sociedade obcecada com a juventude e o estatuto através de personagens inseridas em ambientes sumptuosos e apresentando essas fotografias em molduras muito ornamentadas. Sherman passa da fotografia analógica para a digital e, tal como as suas personagens, experimenta várias possibilidades: cenários verdadeiramente naturais nas suas primeiras imagens, técnicas de filmagem como a “retroprojeção”, fotografia de estúdio (o local onde tem um maior controlo sobre a construção da imagem), o ciclorama e finalmente sobrepondo imagens a fundos digitais. Embora o seu trabalho seja geralmente classificado por críticos e teóricos como associado ao feminismo, à violência e ao voyeurismo e centrando-se na representação, a artista ela mesma tende a evitar esta instrumentalização teórica e tais associações. Ao construir uma personagem, Sherman não tem em mente uma pessoa específica mas sim um género, e a complexidade da narrativa é determinada pela especificidade da relação entre o cenário e a personagem.

Com um percurso reflexivo e singular, Vera Mota (Porto, 1982) tem vindo a desenvolver o seu trabalho em torno das políticas do corpo, promovendo e equacionando a sua participação enquanto metodologia generativa e eixo para formulações conceptuais. Recorrendo sobretudo à escultura, desenho e performance, usufruindo da amplitude e permeabilidade que estas disciplinas oferecem, a sua prática artística convoca uma forte componente material. Num processo em que o corpo se afirma como agente quase sempre indispensável, nele imprimindo os seus gestos e trânsitos, a performance emerge como meio de produção, composição ou mesmo encenação. Concedendo especial atenção à economia da presença, do esforço e da ação, a artista propõe sucessivos exercícios de reposicionamento do corpo, sujeitando-o por vezes a processos de erosão quase completa das suas características. Assumindo um animismo escultórico e reclamando outras perspetivas de corpo e materialidades, Vera Mota reavalia modos de representação, propondo processos e estratégias de desqualificação, transferência ou transfiguração de formas, estatuto ou funções, entre corpos ou as partes que o compõem. SEM CORPO /DISEMBODIED, a primeira exposição da artista em contexto museológico - como que das mãos para a cabeça - propõe um diálogo permanente e tenso entre desenho e escultura, no qual o espectador se vê implicado.

“Quem conta um conto acrescenta um ponto” é um ditado popular que se utiliza para indicar que cada pessoa relata um mesmo acontecimento ou facto acrescentando pormenores da sua autoria. “Contar contos” é uma das expressões que melhor definem o trabalho da artista Paula Rego (Lisboa, 1935 – Londres, 2022); “acrescentar pontos” – no fundo aquilo que fazem todos os leitores e espectadores –, é a expressão que define com maior precisão os visitantes de exposições. Paula Rego foi uma das artistas portuguesas com maior reconhecimento no país onde nasceu e cresceu (Portugal), em Inglaterra, onde estudou e viveu até à sua morte, e um pouco por todo o mundo. As leituras da sua obra sublinharam sobretudo a relação da sua pintura e dos seus desenhos e gravuras com contos populares e tradicionais (muitos de origem portuguesa), com a literatura (infantil e não só) e com a sua autobiografia (especialmente a sua infância), bem como com a sua contribuição para uma constante interrogação e redefinição do papel da mulher na sociedade. Organizada no ano em que Paula Rego desapareceu, esta exposição, que apresenta uma quantidade assinalável de obras da artista integradas na Coleção de Serralves – entre elas o impactante políptico Possessão (2004) –, é uma oportunidade para apreciar novamente o seu trabalho.

A exposição é organizada pela Fundação de Serralves, com curadoria de António Preto e João Mário Grilo, e coordenação de Carla Almeida. MANOEL DE OLIVEIRA E O CINEMA PORTUGUÊS 1. A BEM DA NAÇÃO (1929-1969) A acompanhar a exposição a Fundação de Serralves – Casa do Cinema Manoel de Oliveira editou uma publicação bilingue (português / inglês) que, além da reprodução de centenas de documentos do Acervo Manoel de Oliveira, compreende ainda ensaios inéditos de António Preto, João Mário Grilo, Liliana Rosa, Maria Irene Aparício, Patrícia Castello Branco, Ricardo Vieira Lisboa, Susana Nascimento Duarte e Susana Viegas. Mais informações aqui: https://www.serralves.pt/en/ciclo-serralves/a-bem-da-nacao-1929-1969

António Zambujo e Yamandu Costa assinalaram em concerto 200 anos da Independência do Brasil, celebrando a harmonia entre povos numa simbiose de ritmos lusófonos. Encontram-se novamente para continuar a trilhar o caminho que os une. Ao incorporar influências do cancioneiro brasileiro, António Zambujo derrubou fronteiras, reais e imaginárias. A sua música, primeiro forjada na tradição do cante alentejano e do fado, criou uma personalidade única e inspirou um novo ciclo na música portuguesa. Com apresentações inesquecíveis, Yamandu Costa carrega a marca da música do sul do continente americano e transita por diferentes géneros, formando com o seu violão de sete cordas uma rara simbiose. M/6 https://www.casadamusica.com/pt/canais/sro/buyticket?event=73507

A artista plástica natural da cidade do Porto, Luísa Gonçalves, inaugura no próximo dia 11 de Março, às 16h, na Cooperativa Árvore, a Exposição de Pintura e Desenho “Os Caminhos da Criação”, um trabalho sobre o mundo das aveleiras. Luísa Gonçalves e o seu trabalho, que tem conquistado alguns prémios na área das artes plásticas desde 1970 e até à atualidade, é assim descrito por Nuno Higino, professor de Sociologia e escritor, “ (…) foi este elemento, aparentemente acessório, que mais interessou à Luísa Gonçalves. Com certeza que ela se debruçou demoradamente sobre o mundo das aveleiras. Fotografou, desenhou: o arbusto e os seus frutos. E anotou sobretudo sobre a última cápsula, a exterior. Uma boa parte das obras expostas são variações sobre as brácteas que envolvem a avelã, inicialmente verdes e, durante a maturação, acastanhadas. A avelaneira é um arbusto que existe em abundância nas Beiras, nomeadamente na Mata da Margaraça. Terá sido aí, nos lugares da sua origem, que a Luísa foi buscar inspiração para esta exposição (…) Sala 1

A artista plástica Mónica Faria inaugura no dia 11 de Março, às 16h, na Cooperativa Árvore, a Obra Têxtil “Vencer o Medo”. Segundo a artista, “Vencer o Medo” “é um exercício diário presente desde o gesto mais simples como acordar ou comer. O espaço é ocupado por elementos do quotidiano de onde se tecem teias, que criam tramas e registam narrativas simbólicas - de experiências vividas, imaginadas ou inventadas. É um ciclo vicioso, ou é apenas um ciclo, onde terminar só acontece com um começo. Todos estes elementos convergem para uma franja. Franja que, como no contorno do tapete de arraiolos, define a forma de uma casa, alimentada pelos teares apresentados. Esta é uma instalação artística, em que a autora nos confronta a necessidade de tomar uma decisão. Digo ou não digo? Vou ou não vou. Caso ou não caso... esqueço ou não esqueço! Grito ou não grito.... Dou ou não dou. Mato ou não mato... Ouço ou não ouço. Entro ou não entro!” Mónica Faria vive no Porto e trabalha entre Guimarães e Porto. Estudou Artes Plásticas – Escultura na FBAUP (2005), participou do Programa Erasmus - Coventry (2003), desenvolveu o seu mestrado em Ensino das Artes Visuais na FPCEUP (2010), Bolseira FCT (2012-2016) - com pesquisa em Trabalho de Campo na comunidade quilombola Conceição das Crioulas, Pernambuco, Brasil - concluiu o seu doutoramento em Educação Artística em FBAUP (2016). Participou na residência artística Peninsulares – Contextile/Estúdio Índigo/Museu Nacional de Artes Decorativas Madrid (2021). Exposição individual, "Cultura Instável" - Museu Nogueira da Silva (2023). Professora Convidada Equiparada a Professora Auxiliar na Escola de Arquitetura, Arte e Design - EAAD da Universidade do Minho (desde 2018). Desde 2017, investigadora integrada no Lab2PT/SpaceR.

“As Bruxas de Salém foi um ato de desespero.” Palavras do dramaturgo Arthur Miller sobre a génese desta peça, baseada em factos históricos. Em 1692, na pequena comunidade americana de Salém, mulheres e homens são perseguidos e julgados por bruxaria. O rumor e a mentira incandescem e ninguém parece a salvo da acusação ou da vingança. Estreada em 1953, As Bruxas de Salém foi pensada como um paralelo às trevas do macarthismo que corroíam o coração da América, consumida pela febre anticomunista, que também vitimou Miller. Do seu epicentro – um fascínio primevo pela paranoia, que sacrifica indivíduos na sua fúria coletiva – ressoam hoje múltiplos ecos. É com ela que Nuno Cardoso prossegue a inquirição dos alicerces da vida em comunidade, num outro ensaio sobre a cegueira do homem social. De novo Miller: “Por debaixo das questões sobre justiça, a peça desenterra um caldo letal de sexualidade ilícita, medo do sobrenatural e manipulação política.” DE: ARTHUR MILLER ENCENAÇÃO: NUNO CARDOSO INTERPRETAÇÃO: ANA BRANDÃO, CAROLINA AMARAL, JOANA CARVALHO, JORGE MOTA, LISA REIS, MÁRIO SANTOS, NUNO NUNES, PAULO FREIXINHO, PATRÍCIA QUEIRÓS, PEDRO FRIAS, SÉRGIO SÁ CUNHA PRODUÇÃO TEATRO NACIONAL SÃO JOÃO DUR. APROX. 2:30 COM INTERVALO M/12 ANOS

Pela primeira vez nas suas carreiras, António Victorino d’Almeida e Mário Laginha apresentam-se juntos num concerto completo, com o espetáculo “Improvisação a dois Pianos”. Ambos pianistas e extraordinários improvisadores, ainda que de gerações e experiências musicais diferentes, propõem-se arriscar numa improvisação que irá percorrer os caminhos insondáveis das vivências musicais de cada um, num concerto único e irrepetível. Um momento histórico de dois grandes pianistas que se admiram mutuamente e que realizam, finalmente, o sonho de apresentar um concerto lado a lado. Sala Principal Classificação Etária M/6 Duração aproximada 1h15 Abertura de portas 20h00

Concerto duplo com dois aliciantes projetos musicais. Na primeira parte, os TROLL’S TOY trazem a sua feroz originalidade – uma música enérgica que dilui fronteiras, atravessando os universos do rock e do jazz. . Na segunda parte, os REI BRUXO estreiam o seu novo espetáculo multidisciplinar. Ao repertório editado nos últimos cinco anos juntam-se novas composições, que integram o seu novo álbum (a editar em breve). Com projeção de vídeo, desenho de luz de Tiago Silva e desenho de som de Rui Barreiros, esta promete ser uma experiência sensorial inédita que ultrapassa o tradicional conceito de concerto e materializa um estimulante espetáculo de música ao vivo. M/6 Abertura de portas: 20h30

Rei Édipo, dos SillySeason, parte do “cânone ocidental” do mito edipiano de Sófocles para a contemporaneidade. Reinterpreta e reescreve o tempo presente, através da exploração de vários estágios de reconhecimento e do pathos ético que o acompanha. Segundo Harold Bloom, Édipo terá um complexo de Hamlet, patologia que o leva a “pensar não demasiado, mas demasiado bem”, sendo uma espécie de símbolo da distorção do real em que vivemos. Hoje, pensar demasiado bem ou racionalmente constitui-se como tarefa impossível, em face quer da distopia reinante, quer da falta de ferramentas que filtrem a informação recebida. Em Rei Édipo, o mito surge – enquanto símbolo do julgamento impossível – imerso em retóricas distorcidas, futurologia, demagogia e misticismo, sem possibilidade de reconhecimento da verdade dos factos. Afirmam os SillySeason: “Esta será a nossa tragédia.”